Làm thế nào để bắt đầu

Sơ cấp: Vẽ thạc sĩ

Sơ cấp: Vẽ thạc sĩ

Là một nghiên cứu vẽ, có thể hữu ích để học hỏi từ các bậc thầy đi trước để có được cảm hứng và tìm cách tiếp cận những thách thức phát sinh. Đối với những người khám phá bản vẽ, có một số người vẽ phác thảo chính có thể học hỏi.

bởi Naomi Ekperigin

Chân dung Madame dHaussonville
bởi Jean-Auguste-
Dominique Ingres, ca. 1842, than chì, 9 3/16 x 7¾.
Bộ sưu tập Bảo tàng nghệ thuật Fogg
tại Đại học Harvard,
Cambridge, Massachusetts.

Tôi tin rằng vẽ là nền tảng của tất cả các nghệ thuật, nghệ sĩ Mary Reilly nói. Nhiều họa sĩ tin rằng kỹ năng vẽ là rất quan trọng để làm việc trong bất kỳ phương tiện nào, ngay cả khi bản vẽ không phải là một sở thích chính. Ngay từ đầu đã có những họa sĩ coi trọng những bức vẽ là tác phẩm hoàn thành theo ý mình. Những nghệ sĩ này tiếp tục nâng cao phương tiện và thể hiện bề rộng của các cơ hội dành cho những người muốn khám phá vẽ thêm.

Jean-Auguste-Dominique Ingres

Họa sĩ tân cổ điển người Pháp Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780 Ném1867) là một người vẽ phác thảo. Ngay từ khi còn nhỏ, cha anh đã nuôi dưỡng các kỹ năng vẽ của mình, và năm 17 Ingres đã đến Paris để học theo Jacques-Louis David, người đã là Napoléon chính thức của nghệ thuật Sa hoàng trong cuộc Cách mạng Pháp. Mặc dù chịu ảnh hưởng sâu sắc của họa sĩ thời Phục hưng Raphael, và bản thân một họa sĩ tài năng, nhưng đó là những bức vẽ và chân dung của Ingres mà ông được biết đến nhiều nhất.

Ingres chuyển đến Ý vào năm 1808 sau khi giành được học bổng nghệ thuật hàng đầu Grand Prix de Rome, France. Ở đó, anh mài giũa nghề của mình, lấy cảm hứng từ công việc của Old Masters. Để hỗ trợ bản thân và vợ, ông đã chấp nhận vẽ hoa hồng từ nhà nước và hoàn thành hàng trăm bức chân dung than chì cho khách du lịch, chức sắc du lịch và émigrés giàu có. Những bức chân dung nhỏ này là những tác phẩm nghệ thuật tuyệt vời của người Viking, bắt gặp một phép màu của tài năng, tính năng, tư thế, trang phục, bầu không khí và nhân vật, nhà văn sử học nghệ thuật Stephen Longstreet viết. Những người có thật. Chúng thở và tồn tại kiên cố trên trái đất.

Nghiên cứu về Phụ nữ cho Tắm Thổ Nhĩ Kỳ
bởi Jean-Auguste-
Dominique Ingres, ca. 1830
bút, mực nâu và than chì
trên hai tờ đã nối, 6¾ x 4¾.
Bộ sưu tập Louvre, Paris, Pháp.

Khả năng nắm bắt thực tế là do kỹ năng kỹ thuật và sự quen thuộc với giải phẫu. Với kiến ​​thức bẩm sinh như vậy về hình dạng con người, nghệ sĩ có thể tạo ra nếp gấp theo cách phù hợp với hình dạng của cơ thể trong mỗi nếp gấp. Khả năng nắm bắt nghệ sĩ của người nghệ sĩ đến từ sự tận tâm với sự chính xác, mà anh đã phát triển thông qua việc vẽ. Ingres là một người vẽ bắt buộc, kêu gọi sinh viên vẽ bằng mắt khi họ không thể làm như vậy bằng bút chì. Đối với bức chân dung và tranh tường vẽ của mình, đôi khi ông đã thực hiện hàng trăm bản vẽ chuẩn bị. Ông dường như tìm thấy bước này của quá trình thỏa mãn hơn so với bức tranh thực tế về tranh tường, đôi khi ông đã từ bỏ. Các giai đoạn là: nghiên cứu từ cuộc sống, sự thật phũ phàng từ kinh nghiệm, bình phương, mở rộng, vận chuyển lên vải, quay trở lại, nếu cần thiết cho mô hình cho chi tiết này hoặc chi tiết đó, đã viết Avigdor Arikha J.A.D. Ingres: Năm mươi bản vẽ cuộc sống từ Musée Ingres tại Montauban, danh mục cho một triển lãm tại Bảo tàng Mỹ thuật, Houston. Yêu cầu Bá tước de Pastoret lấy găng tay của mình hoặc quay trở lại Madame Moitessier cánh tay trái, vẽ nó với kích thước thật để chuyển trực tiếp lên vải, quay lại nó nhiều lần. Đây là khi Ingres bị sa lầy. Đó là một quá trình diễn ra quá phức tạp, gần như ám ảnh về quá trình giáo dục, mục đích của nó là đến gần với sự thật của vấn đề.

Các nghệ sĩ ở mọi cấp độ có thể học hỏi từ sự chú ý của Ingres, đến từng chi tiết. Đạo đức nghề nghiệp của anh ấy thật đáng ngưỡng mộ, và anh ấy đã tạo ra những bức vẽ vừa đẹp mắt vừa có cảm xúc. Trong tất cả các bậc thầy mà tôi đã nghiên cứu, tôi rất thích công việc của Ingres, Re nói. Chất liệu ưa thích của Ing Ingels là loại bút chì than chì nhọn và giấy trắng mịn. Ông tin rằng màu sắc không khác gì một phụ kiện để vẽ. Đối với ông, vẽ không chỉ là đường kẻ. Đó là biểu hiện, hình thức bên trong, bố cục và mô hình hóa. Chính quan điểm này đã ảnh hưởng đến nghệ thuật hiện đại thế kỷ 20 và các thế hệ nghệ sĩ từ Degas đến Dinnerstein.

Người phụ nữ khỏa thân ngồi
bởi Pierre-Paul Prudhon, 22 x 15.
Bộ sưu tập Metropolitan
Bảo tàng nghệ thuật, New York,
Newyork.

Pierre-Paul Prud báhon

Giống như Ingres, Pierre-Paul Prudhon (1758 Từ1823) được hoan nghênh như một họa sĩ, nhưng vẽ là nền tảng cho công việc của ông. Được biết đến trong thời đại của ông cho các bức tranh ngụ ngôn và thần thoại, bây giờ chính những bức vẽ của ông đã truyền cảm hứng và làm choáng váng người xem. Là một sinh viên mỹ thuật tại Học viện Dijon vào đầu những năm 1780, Prud Hóahon đã cống hiến cho việc đào tạo nghiêm ngặt về vẽ mà được coi là cần thiết cho tất cả những người hy vọng cho một sự nghiệp thành công như một nghệ sĩ. Học việnCác nghiên cứu về hình học được rút ra từ mô hình sống là cách mà các sinh viên mài giũa kỹ năng của họ, hoàn thành hàng trăm bức vẽ này vào thời điểm họ sẵn sàng theo đuổi nghề nghiệp. Quá trình này mất nhiều năm và loại bỏ một số người khao khát, do thiếu sự cống hiến hoặc tài năng. Mặc dù việc đào tạo nghiêm ngặt và kéo dài này có vẻ khó khăn với các sinh viên ngày nay, nhưng những bức vẽ này rất quan trọng đối với các nghệ sĩ, nhiều người đã tạo ra những nghiên cứu này trong suốt sự nghiệp của họ để lấy ý tưởng và thực hành.

Académie của một người đàn ông ngồi
bởi Pierre-Paul Prudhon,
phấn đen trắng trên giấy màu xanh, 14 9/17 x 10?.
Bộ sưu tập Museé Baron Martin,
Xám, Pháp.

Prud hèhon là một trong những nghệ sĩ như vậy, và hơn cả những người cùng thời, anh bám lấy các học viện trong suốt sự nghiệp của mình. Điều đáng chú ý hơn nữa, có lẽ là Prud Thờihon đã ưu ái những bức vẽ này hơn những bức tranh đã hoàn thành, ngay cả khi sự nghiệp của anh thăng tiến. Đến năm 1788, họa sĩ đã phát triển một phong cách đặc trưng của các hình vẽ bằng phấn màu trên giấy màu. Các bản vẽ thường được xây dựng trong một số lớp, bao gồm cả nở và các đoạn rộng của toning và stumping. Bằng cách pha trộn các đường nét, tông màu và các kỹ thuật khác nhau, Prud báhon đã trình bày cho các nghệ sĩ đầy đủ các khả năng biểu cảm của phấn và giấy. Các nghiên cứu của Prud, các nhà khoa học, truyền tải về cảm xúc mạnh mẽ. Dấu ấn của anh ấy có vẻ lỏng lẻo và tự do, nhưng chúng được đặt hoàn hảo. Đồng ý với nghệ sĩ Kenneth Procter, Thời Prud, đã hoàn thành một số bản vẽ trong đó phần lõi của bóng đổ chạy dọc theo toàn bộ tư thế, phơi bày mọi sắc thái của cơ bắp, nó thật tuyệt vời. Với kiến ​​thức về cơ thể con người đã ăn sâu, anh ta có thể tập trung vào chủ đề của mình và thấm nhuần anh ta hoặc cô ta, đánh dấu nhanh chóng và phản ứng ngay lập tức với suy nghĩ của chính anh ta mà không phải lo lắng về giải phẫu hay sự minh mẫn.

Ngay từ nhỏ, Prud xônghon đã thêm tên Paul Paul vào tên của mình, để vinh danh họa sĩ Flemish Peter Paul Rubens (1577 Ném1640), người cũng là một người vẽ phác thảo bậc thầy. Prud xônghon chia sẻ các nghệ sĩ yêu thích hình người và kiến ​​thức chuyên sâu về giải phẫu, nhưng đó là điểm tương đồng của họ. Rubens là người đề xuất phong cách Baroque, được biết đến với sự nhấn mạnh vào màu sắc, chi tiết xa hoa và chuyển động năng động. Prud hèhon, mặt khác, loại bỏ chuyển động mạnh mẽ và tập trung vào cách ánh sáng di chuyển qua các hình thức. Tuy nhiên, điều mà Prud hèhon đã học được từ người tiền nhiệm là tầm quan trọng của việc liên tục tạo ra tác phẩm mới, bất kể phong cách. Rubens là một trong những nghệ sĩ đa dạng và đa dạng nhất thời bấy giờ, với sản phẩm bao gồm các đồ thờ, tranh lịch sử, chân dung và phong cảnh, cũng như tranh minh họa sách và thiết kế kiến ​​trúc.

Giả định của Trinh nữ
bởi Peter Paul Rubens, ca. 1612,
mực nâu và nước rửa màu nâu,
màu cơ thể trắng, và phấn đen trên nâu
giấy, 11? x 9?. Bộ sưu tập Albertina
Bảo tàng Vienna, Áo.
Người phụ nữ trẻ ngồi với cánh tay lớn lên
bởi Peter Paul Rubens, 1631 trận1632,
phấn đen và đỏ với trắng
nâng cao, 16 x 19 11/16.
Bộ sưu tập Staatliche Museen zu
Berlin, Kupferstichkabinett, Berlin, Đức.

Peter Paul Rubens

Ngoài ra, họa sĩ đã tạo ra hàng trăm bức vẽ, đóng nhiều vai phụ khác nhau trong tác phẩm của mình ngay từ khi bắt đầu sự nghiệp. Là một nghệ sĩ trẻ, anh dành nhiều thời gian để sao chép kiệt tác; một sự chuyển đến Ý năm 1600 đã chuyển vấn đề của ông sang công việc của các bậc thầy thời Phục hưng. Mục đích vẽ các tác phẩm của Titian, Michelangelo và Raphael không chỉ đơn giản là để học. Như John A.park, người hướng dẫn nghệ sĩ lưu ý, thực sự là một nỗ lực để lục soát các biểu tượng và tác phẩm có sẵn để ông có thể tích lũy một thư viện hình ảnh cá nhân để sử dụng sau này. Điều mà họa sĩ đánh giá cao nhất trong những bức vẽ này không phải là thư pháp cá nhân hay chất lượng vẽ, mà đơn giản là thông tin thiết kế của họ.

Rubens đã sử dụng thư viện hình ảnh này để làm nguồn cảm hứng cho các đồ thờ lớn mà ông được ủy quyền để tạo ra. Anh ta sẽ bắt đầu những tác phẩm lớn này bằng một bản vẽ sơ bộ bằng phấn đen hoặc nâu, sau đó anh ta sẽ tạo ra một bản phác thảo dầu. Sau này, họa sĩ trở lại vẽ, tạo ra những tác phẩm lớn hơn từ những người mẫu sống bằng cách sử dụng phấn đen. Bản vẽ lớn hơn này cho phép anh ta đưa vào nhiều chi tiết và độ chính xác về mặt giải phẫu, và truyền vào chủ đề của anh ta một sự hoạt bát mà các nghệ sĩ Baroque tự hào.

Mặc dù Rubens có thể nghĩ rất ít về các bức vẽ của mình, nhưng các nghệ sĩ ngày nay có thể lượm lặt được nhiều từ các tác phẩm chuẩn bị của mình. Các bức vẽ của ông phục vụ để làm phong phú các bức tranh của ông và giúp ông trong mọi giai đoạn của quá trình. Cuối cùng khi anh ta đặt dầu lên vải, anh ta có một tầm nhìn rõ ràng và chắc chắn về cách thực hiện nó. Thông qua bản vẽ, Rubens đã mở rộng vốn từ vựng trực quan của mình, cho phép anh ta tạo ra hàng trăm tác phẩm xuất sắc.

Người phụ nữ có con chết
bởi Käthe Kollwitz, 1903, khắc.
Bộ sưu tập Phòng trưng bày Quốc gia
Nghệ thuật, Washington, DC.

Käthe Kollwitz

Họa sĩ, nhà in và nhà điêu khắc người Đức Käthe Kollwitz (1867 Ném1945), có thể được biết đến với chủ đề của cô hơn là kỹ năng của cô. Các bản khắc, thạch bản và bản vẽ của cô chủ yếu là của những người thuộc tầng lớp lao động mà cô nhìn thấy xung quanh mình, và cô đã trình bày cho người xem những câu chuyện cảm động về sự đau khổ và đấu tranh của con người. Mối liên hệ tình cảm sâu sắc của cô ấy với các chủ đề của mình cho phép cô ấy tạo ra nghệ thuật vẫn gây được tiếng vang với khán giả ngày nay và có thể truyền cảm hứng cho các nghệ sĩ muốn giải quyết vấn đề cá nhân và / hoặc chính trị. Tôi đã được Kollwitz bắt đầu làm việc sớm và độ sâu của hình thức cô ấy có được từ công việc xếp hàng phong phú của mình, anh nói, nghệ sĩ và người hướng dẫn Dan Gheno. Tôi cũng đánh giá cao sức mạnh cảm xúc trong công việc của cô ấy. Cô ấy dạy tôi rằng tôi có thể đi xa hơn hình dạng bề mặt nếu tôi nhìn vào bên trong mình.

Chân dung
bởi Käthe Kollwitz, 1924, in thạch bản.

Kollwitz thường làm việc theo chu kỳ, giải quyết chủ đề về các cuộc nổi dậy và thay đổi lịch sử. Đầu tiên của loạt này là Thợ dệt, trong đó bao gồm ba bản in thạch bản và ba bản khắc dựa trên vở kịch của nhà viết kịch người Đức Gerhart Hauptmann, kịch tính về cuộc nổi dậy thất bại năm 1842. Kollwitz tựa là một minh họa theo nghĩa đen của các sự kiện lịch sử hoặc sự thích nghi của Kaisermann; thay vào đó, cô tập trung vào sự khốn khổ, hy vọng và sự dũng cảm của người lao động. Khi những tác phẩm này được trưng bày cho công chúng vào năm 1898, nghệ sĩ đã nhận được nhiều lời khen ngợi, và nó vẫn là một trong những dự án nổi tiếng nhất của cô. Điều này sau đó được theo sau bởi loạt của cô Chiến tranh nông dân (1902-1908), dựa trên cuộc nổi dậy của nông dân Đức, cuộc nổi dậy 1522-1525. Vào thời điểm của loạt bài này, họa sĩ được coi là một trong những họa sĩ đồ họa người Đức quan trọng nhất thời bấy giờ.

Ngoài việc thay đổi chủ đề của mình, Kollwitz còn khám phá một loạt các kỹ thuật in ấn với các sê-ri này, bao gồm khắc ảnh, intaglio và in thạch bản màu. Tại thời điểm này, cô đã đơn giản hóa công việc của mình, bỏ lại đằng sau cách tiếp cận hiện thực rất chi tiết của mình để ủng hộ một câu chuyện kể về cảm xúc. Chính sự cam kết này đối với các chủ đề nhân văn và một kết nối cảm xúc giúp phân biệt Kollwitzs hoạt động.

Chân dung của Igor Stravinsky
của Pablo Picasso, 1920,
than chì, Bộ sưu tập Museé Picasso,
Paris, Pháp.

Pablo Picasso

Pablo Picasso (1881 Ném1973) là một nghệ sĩ nổi tiếng quốc tế, một người sống ở châu Âu trong thời kỳ hỗn loạn và sử dụng nghệ thuật của mình để diễn giải những thay đổi nhanh chóng và đôi khi dữ dội xảy ra xung quanh anh ta. Trong khi họa sĩ hoàn thành hàng trăm bức tranh mà anh ta biết đến, thì những bức vẽ của anh ta là cốt lõi của tác phẩm. Trung tâm của sự phát triển của Picasso, với tư cách là một nghệ sĩ và biểu tượng nằm trong bản phác thảo của anh ấy, đó là nơi mà sự thử nghiệm và đột phá thị giác của anh ấy được tạo ra, anh nói, nghệ sĩ và giáo viên Lisa Dinhofer. Một họa sĩ có kiến ​​thức sâu sắc về các nguyên tắc cơ bản và đào tạo học thuật sâu rộng, Picasso đã có thể giải mã một chủ đề, đưa ra nó trong vài dòng cần thiết nhất và đi đến bản chất của nó. Giành lấy kiến ​​thức chi tiết của một người vẽ phác thảo bậc thầy để miêu tả một đối tượng ở dạng đơn giản nhất của nó, theo ông Dinhofer. Không phải với một dấu Conté đã được làm mềm, không phải với sự tích tụ chéo cho khối lượng, không phải trong các lớp than chì xếp lớp để mô hình hóa một khu vực, mà là một đường thẳng truyền tải tất cả các hình thức và không gian.

Nusch Eluard
của Pablo Picasso, 1938,
than và than chì trên vải.

Đường nét Picasso nhiệt chỉ ra các hình thức bên trong và bên ngoài của đối tượng của mình và anh ta có thể lấp đầy mặt phẳng hình ảnh bằng cách loại bỏ các chi tiết thể tích. Điều này có thể được nhìn thấy trong các bức chân dung như Tối đa Jacob, Chân dung của Erik Satie,Helena Rubenstein. Nhìn vào thử nghiệm của ông với đường nét và hình dạng, các họa sĩ có thể hiểu Picasso đã buộc người xem nhìn thấy các vật thể theo những cách mới và vẫn đẩy giới hạn của chúng ta ngày nay. Kiệt tác của anh ấy Guernica, được tạo ra vào năm 1937, là hiện thân của nghệ sĩ Thay đổi lý thuyết và thử nghiệm với dòng. Như Dinhofer lưu ý, thành phần chỉ dựa trên sự kết hợp giữa không gian và đường thẳng. Nội thất và cảnh quan được mô tả được làm phẳng, đẩy mọi hình vẽ lên phía trước. Kết quả là một cuộc tấn công áp đảo đã hoàn thành với một đường kẻ táo bạo, không bị phá vỡ, hình dạng cắt ra và một mặt phẳng hình ảnh nén.

Các nghệ sĩ ở tất cả các cấp độ có thể nhìn vào tác phẩm của Picasso và tìm hiểu những điều mới mẻ ở nhiều điểm khác nhau trong khám phá nghệ thuật của họ, giống như chính nghệ sĩ đã thay đổi theo thời gian. Cảnh sát Picasso thường được mô tả như là một người vẽ phác thảo, theo ông Procter. Những bức vẽ của anh ấy rất điêu luyện, đa dạng về kỹ thuật và sự sáng tạo tuyệt vời, lém lỉnh. Picasso giải mã vấn đề của mình theo bản chất trần trụi, cho người xem và các nghệ sĩ vẽ thực sự là nền tảng của nghệ thuật.

Naomi Ekperigin là trợ lý biên tập cho Nghệ sĩ người Mỹ.

Xem video: Học thời trang thì làm được gì (Tháng MườI MộT 2020).