+
Sự nghiệp nghệ thuật của bạn

Kinh doanh nghệ thuật: Bài tập khởi động cho các nghệ sĩ

Kinh doanh nghệ thuật: Bài tập khởi động cho các nghệ sĩ

Các bài tập khởi động rất quan trọng đối với các nghệ sĩ cũng như đối với các nhạc sĩ và vận động viên.

bởi Daniel Grant

Khởi động cho các nghệ sĩ thường liên quan đến việc tự phát, nới lỏng cơ bắp của bạn,
và buông tay. Nhưng chạy bộ cũng có thể làm việc!

Các vận động viên kéo dài trước một trò chơi. Các nghệ sĩ cũng vậy, thường cần tập trung sự chú ý của họ và đảm bảo rằng tay và mắt của họ đồng bộ, để họ có thể tận dụng tối đa thời gian trong phòng thu và thúc đẩy công việc kinh doanh nghệ thuật của họ tiến lên một cách tự tin vào công việc của họ.

Sinh viên tại các hội thảo thường được cung cấp các hoạt động khởi động, có thể kéo dài một vài phút hoặc kéo dài thêm một giờ hoặc hơn. Hầu hết các học sinh của tôi không phải là họa sĩ chuyên nghiệp, giáo sư Cathy Locke, một họa sĩ ở California, có một ngày, bảy giờ vẽ tranh và vẽ tranh vẽ tranh bắt đầu bằng hai giờ vẽ nhanh trên giấy trước khi học sinh giải quyết bức tranh. Bên ngoài xưởng, nhiều người trong số họ là người chăm sóc hoặc làm việc trong một lĩnh vực không liên quan gì đến nghệ thuật. Họ cần thu hẹp sự tập trung của mình, làm ấm mắt trước những gì mà trước mặt họ và làm cho mọi thứ trở nên lộn xộn.

Locke cho biết quá trình bắt đầu, hoặc hiện diện, liên quan đến việc hâm nóng cả các nghệ sĩ cảm nhận (về giai điệu, kết cấu, bố cục) và khả năng dịch những gì họ nhìn thấy ra giấy hoặc vải vẽ. Đơn giản chỉ cần tạo dấu ấn đầu tiên có thể là một cuộc đấu tranh. Lọ có rất nhiều đầu tư vào những nghiên cứu nhanh này, cô nói, và điều đó giúp giải phóng các sinh viên.

Debbie Cannatella, một họa sĩ và giáo viên mỹ thuật ở Texas, cố gắng vượt qua các học sinh, Lo lắng về việc mắc lỗi và duy trì sự kiểm soát với các bài tập khởi động coi các vật dụng thông thường trong gia đình (như nĩa hoặc cờ lê) là hình ảnh trừu tượng. Tôi thấy rằng mọi người bị treo lên nếu họ vẽ một cái gì đó và nó không xuất hiện trông giống như vật thể, cô ấy lưu ý. Nếu họ không lo lắng về việc tạo một bản sao của vật thể đó trên giấy, họ có thể từ bỏ nỗi sợ vẽ.

Theo Robert Burridge, một họa sĩ ở California, người dạy nhiều xưởng, nhiều sinh viên tập trung quá mức vào sản phẩm cuối cùng. Tôi nói với mọi người rằng nó không giống như một thứ gì đó và sẵn sàng để bán, ông Burr Burr nói. Bạn có thể vui chơi. Anh ta nói rằng anh ta đưa ra những mảnh giấy 6-x-9, vì vậy họ không cảm thấy họ lãng phí một mảnh giấy màu nước tốt như bá đạo và yêu cầu học sinh vẽ những từ hành động lấy từ một từ điển đồng nghĩa. Có thể có năm hoặc sáu từ, và với mỗi từ họ có một phút để truyền đạt khái niệm một cách trực quan theo cách họa sĩ hoặc đồ họa. Giữa mỗi người, các sinh viên cho thấy những gì họ đã làm và nói về nó. Có rất nhiều tiếng cười. Tôi sẽ sẵn sàng để tiếp tục, và họ sẽ nói, "Hãy cho chúng tôi nhiều hơn về những điều này, Nghệ sĩ chỉ ra. Ông cũng nói rằng những người tham gia hội thảo của ông rất trân trọng những bức vẽ nhỏ này, và bài tập đó làm tăng thêm tình bạn của lớp.

Đối với Burridge, sự khởi động là một cơ hội để tự phát và không phổ biến. Anh ấy nhanh chóng đưa học sinh vào khía cạnh sáng tạo của bộ não, anh ấy giải thích. Vào những dịp mà anh ấy đã thực hiện những bài tập này, anh ấy đã thấy rằng các sinh viên sợ làm điều gì đó sai. Tôi chỉ gặp khó khăn hơn khi đưa chúng vào chế độ vẽ tranh, anh ấy nói.

Burridge sử dụng cùng một kiểu khởi động trong thực hành phòng thu của riêng mình, tạo ra hàng trăm tác phẩm nghệ thuật nhỏ dựa trên các từ trong suốt một năm mà anh ấy chiếu và mang đến các hội chợ và hội thảo nghệ thuật, bán chúng với giá 150 đô la. Trước khi tôi thực hiện bất kỳ bức tranh lớn nào, tôi làm rất nhiều trò vui, ‘vui vẻ xung quanh với sự ấm áp của tôi với sơn acrylic của tôi. Nó giống như vẽ phác thảo, anh nói. Hoàng tử Nó tất cả về giao tiếp. Tôi thực hiện ít nhất sáu bức tranh khởi động một phút trong studio của mình mỗi sáng trước khi tôi nhảy vào một tờ giấy đầy màu nước hoặc vải lớn. Phương pháp khởi động của tôi có nghĩa là chơi thuần túy, sẵn sàng cho những nỗ lực nghiêm túc hơn của các phòng trưng bày và lễ hội. Dường như với tôi rằng có quá nhiều nghệ sĩ ngừng nghĩ về nghệ thuật là niềm vui.

Bên cạnh một vài họa sĩ như Burridge, rất hiếm khi các nghệ sĩ chuyên nghiệp thực hiện các bài tập khởi động. Các nghệ sĩ thường tạo ra các nghiên cứu sơ bộ và mô hình cho các bức tranh và tác phẩm điêu khắc lớn hơn, nhưng điều đó có liên quan nhiều đến việc tạo ra các chi tiết kỹ thuật hơn là làm nóng. Ray Roberts, một họa sĩ ở California, người thường xuyên dạy các hội thảo, nói rằng ông khuyên các sinh viên của mình ban đầu vẽ một chủ đề bằng màu đen và trắng để cho họ thấy bố cục sẽ trông như thế nào, nhưng ông nói rằng khi ông vào phòng thu của mình, ông đã biết làm thế nào anh ta sẽ tiếp cận một bức tranh.

Nghệ sĩ vẽ màu nước Pennsylvania Frank Webb thường xuyên bắt đầu vẽ tranh phong cảnh bằng cách vạch ra một hình ảnh kích thước nhỏ hơn trong đơn sắc trên giấy rẻ tiền, viết nguệch ngoạc ở bên cạnh. Tôi nghĩ rằng nó rất quan trọng để có được thiết kế trước tiên để khi tôi vẽ tôi có thể tập trung vào màu sắc và diễn giải. Một người lãnh đạo hội thảo thường xuyên cũng như một nghệ sĩ triển lãm, Webb tin vào việc vẽ hoặc vẽ những cử chỉ nhanh, kích thước đầy đủ khi làm việc từ một người mẫu sống trước khi chuyển sang tư thế dài hơn.

Một số nghệ sĩ tránh sơ bộ, tin rằng các bước bổ sung trong quy trình sẽ lấy đi động lực ban đầu khiến họ muốn vẽ hình ảnh ngay từ đầu. Một khi tôi đã thực hiện một nghiên cứu, thì nói rằng họa sĩ người California William Wray, tôi thường không muốn làm phiên bản cuối cùng hoặc hoàn thiện hơn. Tôi thích sự nguy hiểm của việc tấn công nhà bạt mà không có công việc sơ bộ nào. Tuy nhiên, các nghiên cứu sơ bộ trả lời nhiều câu hỏi của một nghệ sĩ, và chúng cũng có thể dẫn đến những khám phá. Locke nói, có thể có những tai nạn hạnh phúc khi tiến vào bức tranh cuối cùng.


Xem video: TOPCV - TS. LÊ THẨM DƯƠNG: Học cách định vị bản thân. Hãy biết mình là ai? (Tháng Giêng 2021).